Yvonne Venegas es graduada del International Center of Photography en Nueva York y está cursando actualmente su Maestría en la Universidad de California San Diego. En Nueva York ella fue asistente de fotógrafos tales como Dana Lixenberg, Bruce Weber y Juergen Teller. Ella ha trabajado como fotógrafo independiente para the New York Times, SPIN y VIBE York y su trabajo ha sido publicado en la Ciudad de México en Luna Córnea, revista de fotografía publicada por el Centro de la Imagen así como en la revista Celeste. Ella ha expuesto sus trabajos de manera individual y colectiva en los EE.UU., México, España, Francia y Canadá, incluyendo las “Sesiones de Tijuana” (como parte de ARCO 05) en Alcalá 31 en Madrid, en la exposición itinerante que viaja de Baja California a Vancouver, en el museo del arte de Seattle, el museo del arte contemporáneo, San Diego (MCASD), el centro Wattis en San Francisco y la galería de arte de Vancouver. La exposición “El extraño nuevo mundo: Arte y diseño de Tijuana” que está actualmente en el museo de arte de Santa Mónica , e individualmente en la Casa de América como parte de Photoespaña-04, el museo del arte contemporáneo San Diego, la galería contemporánea Diaz en Toronto y el Museé de los beaux artes, de Orleáns, Francia.
En 2002 se le concedieron menciones honoríficas por la serie “Las novias más hermosas de Baja California” en la prestigiosa, Décima Bienal anual de Fotografía, del Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México . Recientemente recibió el premio stART up del museo de arte contemporáneo San Diego. Su trabajo es parte de diferentes colecciones en los EE.UU. y México, incluyendo la colección permanente del museo del arte contemporáneo de San Diego, la Fundación Televisa y el Centro de la Imagen en la Ciudad de México.
Su trabajo fotográfico explora temas de las clases sociales, el género y la representación personal de acuerdo su participación en una estructura de clase específica.
Yvonne ahora vive y trabaja en la frontera de Tijuana / San Diego.
sus fotos:
-Cindy Sherman
Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.
sus fotos:
-Chema Madoz
Chema Madoz nace en Madrid, España, en 1958 y es actualmente uno de los fotógrafos más reconocidos y populares de aquel país, además de gozar de una importante reputación a nivel mundial.
Cursó Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid (1980-1983) al tiempo que realizaba estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.
Su obra se destaca por incluir imágenes blanco y negro donde se destacan excelentes juegos de imaginación en diferentes texturas y perspectivas. Actualmente trabaja con una cámara Hasselblad de formato medio, la cual posee desde hace diez años.
En las fotografías de Chema Madoz el observador es empujado a la reflexión a través de las formas de sus objetos surrealistas y termina por realizar un ejercicio poético.
En 1985 La Real Sociedad Fotográfica de Madrid decide exponer su primera muestra individual. Tres años después la conocida Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) realiza la apertura de su programación de fotografía exponiendo sus trabajos.
Con el comienzo del último decenio del siglo XX, Chema Madoz, comienza a trabajar y desarrollar el concepto de objetos, con el cual se convertirá en un fotógrafo sumamente famoso.
En 1991 sus obras salen de España por primera vez con la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que organizara el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Como si fuera poco, el nivel de su creciente trabajo era premiado con el Premio Kodak, un importante aliciente para que su trabajo no cesara.
Su carrera se encontraba en ascenso y en 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. Dos años después sus trabajo comenzó a editarse en diferentes publicaciones. El primer libro es una monografía que repasa su carrera y trabajos en ese primer decenio como fotógrafo profesional: Chema Madoz (1985 - 1995).
En 1998 se publica "Mixtos - Chema Madoz" y al año siguiente realiza dos importantes muestras en su país. Su obra continúa y su fama aumenta con el transcurrir de los años.
En el año 2000 recibe su máximo reconocimiento y galardón: el Premio Nacional de Fotografía de España.
Desde entonces sus trabajos han recorrido el mundo entero y su nombre es uno de los iconos actuales del arte fotográfico.
sus fotos:
-Leandro Berra
Leandro Berra es un fotógrafo nacido en Buenos Aires,
Argentina en 1956. Reside y trabaja en París desde 1981.
Su trabajo ha sido expuesto en muestras colectivas e
individuales sobre todo en Argentina, Francia y otros
lugares de Europa.En 1993 obtiene una Mención Premio a
la Joven Pintura, de la Fundación Fortabat.
En 1992 gana el Premio por la escultura en la Nuit de la
jeune création, Palais des Congres, París, Francia. En 1991
gana el III Premio Fundación Fortabat.
Berra es famoso por su proyecto de retrato-robot que
consiste en pedir a una persona que conozca a la persona
retratada que la describa para que un retratista la dibuje,
posteriormente Berra registra a la persona y hace una
comparativa de retratos.
sus fotos:
-Sophie Calle
Sophie Calle es una artista francesa nacida en 1953. El
principal objeto de su obra es la intimidad y de modo
particular la suya propia, para ello utiliza gran diversidad de
medios de registro como libros, fotografías, vídeos,
películas o performance.
Se trata de una artista conceptual que después de viajar
por buena parte del mundo regresó a Paris en 1979.
A finales de los años presenta su primera serie de
fotografias, ella misma describio el proyecto Les dormeurs
(Los durmientes).
En 1986 encontramos la serie Les aveugles (Los ciegos). En
ella recoge los testimonios de varias personas ciegas de
nacimiento conforme a lo que ellos creen que es la belleza.
Cada una de las piezas (un total de 23) está integrada por
una foto-retrato de la persona, junto a otro cuadro con su
testimonio escrito, y debajo de todo ello una fotografía de
aquello que la persona ha nombrado como su impresión
subjetiva de la belleza.
Esta obsesionada por la mirada, tanto la de los otros como
la suya. Que miran los otros cuando me miran mirar,
además de una necesidad de saber del otro, como lo
demuestra en "Suite Vénitienne".
sus fotos:
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-Mauricio Alejo
Mauricio Alejo es quizá uno de los fotógrafos jóvenes mas sobresalientes del país. Estudió la Maestría de artes en NYU (New York University), Su trabajo se ha exhibido individualmente en: Nueva York , Japón. Canadá, París y México. Ha sido invitado a participar en la Octava Bienal de la Habana, así como a la edición del 2004 de la Trienal poligráfica de San Juan de puerto Rico. Recientemente ha incursionado en el mundo del video con sorprendentes resultados.
Lo que casi nadie sabe es que en sus inicios profesionales fotografiaba cortometrajes, que piensa que ha hecho mejores videos que fotos y que le gusta la idea de hacer un videoclip de Eli Guerra. Este 2005 tiene planeado trabajar mas proyectos en video que con fotografía.
Lo que casi nadie sabe es que en sus inicios profesionales fotografiaba cortometrajes, que piensa que ha hecho mejores videos que fotos y que le gusta la idea de hacer un videoclip de Eli Guerra. Este 2005 tiene planeado trabajar mas proyectos en video que con fotografía.
sus fotos:
-Bela Borsodi
Borsodi nació en Viena, aunque vive y trabaja en Nueva
York desde principios de los 90. Estudió Bellas Artes,
diseño gráfico y psicología. Comenzó a trabajar en revistas
haciendo retratos a sus amigos, así fue como inició su
andadura profesional para más adelante dedicarse, casi por
completo, a reportajes de moda para editoriales de Austria y
Alemania.
A través de la combinación de arte, diseño gráfico y
psicología, su trabajo ofrece una visión surrealista que hace
que la ropa y los accesorios cobren tridimensionalidad.
El trabajo de Borsodi ha aparecido en publicaciones como V
El trabajo de Borsodi ha aparecido en publicaciones como V
Magazine, Vogue, Wallpaper , y Another Magazine. Trabaja
con marcas como Uniqlo, Baume et Mercier, Hermès o
Selfridges.
Su “Foot Fetish”, publicado en la revista V, creó controversia
y recibió mucha publicidad, tanto negativa como positiva. Le
criticaron grupos feministas, que opinaban que sus fotos
facilitaban la idea de mujer-objeto dentro del mundo de la
moda.
sus fotos:
-Bernardo De Niz
Bernardo De Niz nació en 1972 en México.
Él es un fotógrafo independiente con sede en Beijing, China. Bernardo tiene un grado de especialización en los medios de comunicación y ha trabajado en una serie de proyectos de diferentes medios.
sus fotos:
-Jill Greenberg
Jill Greenberg es una fotógrafa canadiense (nacida en 1967 en Montreal, Quebec, creció en un suburbio de Detroit y vive desde entonces en los Estados Unidos) mundialmente reconocida por sus característicos estilos de iluminación y de post-proceso digital.
- Desde los 10 años ha fotografiado y creado personajes usando todos los medios a su alcance, dibujando, pintando, filmando, haciendo esculturas y fotografiando.
- En 1989 se graduó con honores en la Rhode Island School of Design con un BFA en fotografía.
- Después se trasladó a Nueva York para proseguir con su carrera fotográfica.
- En 2000 se fue a Los Ángeles donde encontró a su marido Robert.
- Ha realizado trabajos para Philip Morris, Microsoft, Compaq, Polaroid, Dreamworks, Sony Pictures, Paramount Pictures, MGM, Disney, Fox, Coca Cola, Pepsi, Smirnoff, MTV, Warner Bros., Sony Music, y Atlantic Records.
- Sus fotos han aparecido en las portadas de Time Magazine, TV Guide, Newsweek, US News and World Report, Wired, Entertainment Weekly y muchas otras.
- También ha expuesto sus trabajos en galerías de Nueva York, Los Ángeles y Adelaida, Australia, así como en San Francisco, Chicago y otras ciudades.
- Sus series y fotografías más conocidas son:
- sus fotos de animales de estudio,
- niños llorando en la serie end times, haciendo referencia a la reelección de George Bush,
- el candidato a la presidencia John McCain.
sus fotos:
-Mariana Gruener
Cursó la maestría en el School of Visual Arts en N.Y., la licenciatura en periodismo en la Carlos Septién García y tomó talleres en el Centro de la Imagen. Ha expuesto en Nueva York, Toronto, Amsterdam, Hong Kong y México. Profesora en La Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “Esmeralda”, en Centro diseño-cine-televisión, ha impartido talleres en varios centros culturales de México. Recibió las becas Jóvenes Creadores y Apoyo a Estudios en el Extranjero del FONCA. Trabajó en Nueva York para Yolanda Cuomo, Mary Lucier y Clarissa Sligh y en México para Pedro Meyer. Freelance desde 1997 para revistas, películas y empresas.
El quirófano es como estar en el limbo, un espacio del hospital donde no hay dolor. Pues el sufrimiento se queda en la salas de espera, en las salas de recuperación y en los cuartos de hospital. El cuerpo intervenido, la armonía y la luz del quirófano generan belleza en vez de asquerosidad y repulsión, quise romper ese tabú. La vulnerabilidad del ser humano ante la vida es un tema que siempre me ha motivado a fotografiar. En esta ocasión quise documentar esa lucha constante por erradicar el dolor y el sufrimiento, plasmar ese momento en que la vida y la muerte se enfrentan, en un espacio donde el horror está en el hecho que nos obliga a llegar ahí y no en el quirófano como tal.
sus fotos:
-Dorothea Lange
1895: Nace el 25 de Mayo en Hoboken, New Jersey.
Con siete años contrae la poliomielitis. Le afecta a la pierna derecha, hecho que le marcará para toda la vida.
1917. Estudia en la Clarence White School, Columbia, Nueva York.
1918. Inicia una vuelta al mundo y se establece posteriormente en San Francisco.
1919-34. Abre su estudio. Conoce a Imogen Cunninghan.
1920. Se casa con el pintor Maynard Dixon. Tiene dos hijos.
Viaja regularmente a Taos, México donde conoce a Paul Strand, que tendrá cierta influencia en su trabajo.
1933-35. Comienza a fotografiar en la calle. Frecuenta el grupo f/64.
Tiene su primera exposición en al galería de Willard Van Dike(1934).
Conoce a Paul Taylor con el que se casará en 1935. Se instala en Berkley, California.
1935-40. Trabaja para la Ressttiment Administration y la Farm Securty Administration.
1938-39. Prepara junto a su marido A American Exodus, A Record of Human Erosion.
Libro donde se mezclan textos junto a fotografías, analizando el fenómeno de la migración motivada por la depresión.
1942-44 Fotografía los campos de internamiento de los americanos de origen japonés.
Retrata la vida de las minorías de San Francisco. La mayoría de estos trabajos se han perdido.
1945. Empieza a tener problemas con su salud lo que le obliga a fotografiar durante 8 años temas cercanos: su familia.
1954-55 Publica reportajes para Life Magazine junto a Ansel Adams.
1955-57. Realiza un estudio sobre el sistema judicial californiano.
1958-63. Viaja a Asia, Venezuela, Ecuador, Egipto, Siria, Irak, Europa,..
1964. El conocimiento de que tiene cáncer le hace consagrarse a sus dos últimos proyectos: organizar una retrospectiva de su obra en el MOMA y a documentar su vida.
1965. Muere en San Francisco el 11 de Octubre.
sus fotos:
-Erwin Wurm
Bruck an der Mur en 1954 que vive y trabaja en Viena.
Formado en la Academia de Artes Aplicadas de Viena y en
la Academia de Bellas Artes de Viena entre los años 1979 y
1982.
En su obra aparecen tanto el propio artista, como otras
personas que colaboran con él, en absurdas poses
esculturales, en la mayoría de los casos con el empleo de
objetos cotidianos. Sus imágenes no son otra cosa que la
documentación de una performance. Con este proceder
trata de revisar constantemente el concepto de escultura en
dos aspectos: de un lado, reubicando los objetos para
humanizarlos y, de otro, objetualizando el cuerpo humano.
El video de la canción "Can't Stop" de la banda Red Hot
Chili Peppers está inspirado en la obra de este artista.
sus fotos:
-Jose Luis Cuevas
José Luis Cuevas Ciudad de México, 1973. Cursó el posgrado en Visualización Creativa por la Universidad de la Comunicación y el Programa Integral Documento y Ficción del Centro de la Imagen. Recibió el Premio Internacional de Fotoperiodismo Ciudad de Gijón 2004. Ha tenido residencias artísticas en Orléans, Francia y en Bogotá, Colombia. Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del FONCA 2007-08 y recientemente le fue otorgada la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2010 -13. La revista internacional Photo Icon lo incluye en su edición dedicada a “la Fotografía de Vanguardia en México” y el periódico El Universal lo incluye en una nota sobre los más destacados fotógrafos mexicanos en activo.
sus fotos:
-James Nachtwey
Fotógrafo estadounidense [1948]
James Nachtwey creció en Massachusetts y se graduó en Historia del Arte y Ciencias Políticas en el Dartmouth College. Las imágenes de la guerra del Vietnam y el movimiento a favor de los Derechos Civiles en Norteamerica le hicieron tomar la decisión de convertirse en fotógrafo. Trabajó en varios empleos mientras aprendía fotografía y en 1976 comenzó a trabajar como fotógrafo de prensa en Nuevo México para, en 1980, trasladarse a Nueva York como fotógrafo freelance. Su primer trabajo en el extranjero consistió en cubrir la revuelta civil en Irlanda del Norte durante la huelga de hambre del IRA en 1981.
Desde entonces, James Nachtwey se ha dedicado de pleno a documentar guerras, conflictos y crisis sociales en lugares tan diversos como El Salvador, Nicaragua, Guatemala, Líbano, la franja de Gaza, Israel, Indonesia, Tailandia, India, Sri Lanka, Afghanistan, Filipinas, Corea del Sur, Somalia, Sudan, Ruanda, Sudafrica, Rusia, Bosnia, Chechenia, Kosovo, Rumanía, Brasil y los Estados Unidos.
Asociado con Black Star de 1980 a 1985, desde 1984 James Nachtwey está en la nómina de Time Magazine. Fue miembro de la Agencia Magnum entre 1986 y 2001 y ha expuesto individualmente en el International Center of Photography de Nueva York, el Palazzo Esposizione de Roma, El Circulo de Bellas Artes de Madrid, el Carolinum en Praga, el Centro Hasselblad en Suecia, la Canon Gallery y el Nieuwe Kerk en Amsterdam, y el Hood Museum of Art del Dartmouth College, entre otros.
Ha recibido numerosos premios como la Medalla de Oro Robert Capa (cinco veces), el Premio World Press Photo (dos veces), el Magazine Photographer of the Year (seis veces), el Premio Infinity del International Center of Photography (tres veces), el Premio Leica (dos veces), el Premio Bayeaux para Corresponsales de Guerra (cinco veces), el Alfred Eisenstaedt Award, el Canon Photo essayist Award y la W. Eugene Smith Memorial Grant en Fotografía Humanista. Es miembro de la Royal Photographic Society y tiene un Doctorado Honorífico de Bellas Artes por el Massachusetts College of Arts.
En 2001 el director Christian Frei presenta un intenso documental basado en el trabajo que James Nachtwey realiza durante dos años en varios conflictos internacionales: War Photographer.
sus fotos:
felicidades Qari completo la vida de fotografos a hora sigamos con lo demas
ResponderEliminarLa tercer foto que has puesto de Sophie Calle es de otra fotógrafa ( Francesca Woodman)
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